Дорогие друзья! В Доме Творчества Московского Союза художников в Тарусе с 14 октября по 28 октября состоится персональная выставка
Максим Смиренномудренский
"РАБОТА ДОЛЖНА БЫТЬ ВИДНА: СЛЕПКИ МОМЕНТОВ РЕАЛЬНОСТИ".
Художник впервые представит
знаковые работы в технике холст, масло, баллончики, маркеры, созданные им за последние 11 лет.
* Выставка работает с 14 по 28 октября
* ТОРЖЕСТВЕННОЕ ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ - 17 ОКТЯБРЯ В 16:00
Адрес: ул. Комсомольская, 25, Таруса
Максим Смиренномудренский:
“Я - машина времени, пропустившая через себя всю историю от конца СССР до нашего времени. И выражающая ее в виде слепка времени”.
“Я получил академическое образование, у меня была возможность впитать все и выделить необходимое для сегодняшнего дня”.
Мой путь:
“Я ученик-отличник, освоивший академический метод. На последних курсах у меня уже были выставки в Академии Художеств у Зураба Церетели. Мой мастер Павел Федорович Никонов сказал мне: “высвобождай процесс”. Через это освобождение я пришел к абстракции. Встал вопрос о том, как создать свой особый язык. Этапы создания этого языка - первый период - экспрессионизм, второй период - скотч как антиприем, третий этап - современный - баллончик, как быстрота высвобождения идеи. Вот так я пришел к сочетанию материи и абстракции”.
“В 2010 вместе с А. Бартеневым мы делали проект на 2-м Молодежном Биеннале ММСИ (“Стой! Кто идет?”). Там я впервые использовал цветной скотч, это поворотный момент - это и осмысление Москвы как вечной стройки, и использование скотча как материала для нового языка: он тактилен, он интерактивен со зрителем, дает ему возможность вмешаться в работу. Быть сопричастным”.
К вопросу преемственности поколений и самоидентификации в контексте истории русского искусства второй половины ХХ века:
“Павел Федорович Никонов - прежде всего дорогой мой учитель, советский и российский живописец и график, один из основоположников «сурового стиля», почетный Академик РАХ педагог, профессор. Для него, как для представителя поколения шестидесятников было важно освобождение, противостояние советскому официальному искусству, открытие первого русского авангарда. Так была создана легенда о шестидесятниках, которые при этом существовали и в официальном искусстве. Как создается легенда? Личность высвобождается через язык, язык преодолевает препятствия, а препятствия - это весь окружающий материал. Таким образом клеткой П. Никонову был СССР, а наследие мастера стало новой клеткой, из которой должен был высвободиться я сам. Но это не просто высвобождение. Это свобода в сакральном осмыслении. Как в иконе. Через пластику цвета, фигуры”.
“Если переосмыслить символически эту преемственность “отцов и детей”, Павел Никонов и “отцы” черпают творческую энергию у молодых с одной стороны, с другой же - я и мне подобные ученики сами хотим их оживлять, дать им возможность получить энергию нового времени, которой они были лишены в молодости в виду внешних обстоятельств".
Отвечаю на актуальный вопрос о творческом наследии и социальной адаптации художника:
“Я живу в любом веке.
Моя задача - дать дыхание художникам прошлого. Влить в них жизнь - в художников, запертых во времени. Традиция академической школы плюс возможность высвободить любое время в современном материале”.
“Что такое изобразительное искусство? Это застывшее время, в которое можно спонтанно погрузится в любой момент - оно более реально в отличие от кино, где повествование линейно”.
“Я - как художник - делаю застывшее время. Что такое время? Это место для возможности самореализации. Парадокс: в нынешнем моменте проходит и концентрируется движущаяся история прошлого. Холст - это то что было, есть и будет.”
Касаемо темы пластики в русском искусстве в целом и у меня в частности:
“Композиция, позволяющая возвести настоящее в вечность, и является подлинным искусством. Художник берет тему, материал, способ от своих корней и высвобождает свой потенциал”.
“В детстве, когда я пришел в Третьяковскую Галерею, я увидел две работы - “Три богатыря” Виктора Васнецова 1898 года и “Апофеоз войны” Василия Верещагина 1871 года. После этого я не спал три дня, и понял все о том, что такое искусство как застывшее время, в которое можно войти в любой момент”.
“С 11 лет для меня икона - живое выражение полицентричности пластики искусства, где центр - везде, где нет неважного или вторичного. В иконе Иоанна Златоуста 16-го века из Ростова нет единого центра, можно взять любую деталь, любую плоскость - она тут же станет равноправным со всем остальным центром, совершенной и вечной реальностью”.
Моя Таруса:
“Этот город меня любит - и это чувство интуитивно: я человек, который связан с землей. Очень чувствую землю, чувствую рельеф - соприкосновение земли и неба на горизонте. И этот рельеф отражается на моем лице. Мои морщины повторяют реки, ее дуги и ее бурьяны. И, минуя эту поэтику, я хочу сказать, что я реально сейчас живу Тарусой. Ока видится мной как быстрая река: чтобы за ней не убежать, чтобы оставаться на берегу, где твои вещи, нужно плыть против течения. И ты стоишь на месте, и она движется, и я люблю эти высокие берега с одной стороны, а с другой стороны пологие, очарован тем, как она развивается. По той же системе раскрываются здесь для меня и люди, и события, и вообще все”.
Кем является художник и в контексте сегодняшнего времени? Актуальность моего метода:
“Зритель определяет кто такой художник. В нынешний момент художнику нужно созерцать и не участвовать в производственно-выставочном процессе. Cегодня у художника нет права на абстракцию как философию и художественный метод, потому что общество предельно политизировано. Остается лишь делать слепок времени. И по отношению ко всеобщему процессу я - Нуль. Очевидно значимый”.
“Баллончик - это быстрота высвобождения энергии. Таким образом сама быстрота, выпускаемая через этот баллончик - это материал языка современной культуры”.
“Стрит-арт - это чистая фиксация личного присутствия. “Я - здесь””.
“Скотч - это чистая нефть, имитация всего. Моя задача создать новый язык из имитации”.
“Человек в современной культуре - это сущность+упаковка, картон”.
Мой образ жизни - чувственное восприятие существования
”Я мыслю себя художником не от мира сего, то есть не привязанным к социальным конструктам, который собирает себя через творчество. И только таким образом я могу выжить в окружающей реальности”.
”Я беру прием, довожу его до совершенства - и сразу же ухожу от этой успешности в приеме”.
“Моя редкость: любовь одна - как одна жизнь и цель. Любовь - это принятие как есть и понимание как есть. Это и есть творчество”.
#арт #мосх #актуально #выставки #таруса #современноеискусство
Беседовали искусствоведы Лидия Вулох и Дмитрий Чепель
